Anne Goyer est de celles qui ne se contentent pas d’utiliser la couleur : elle la crée. Fruit de quinze années de recherche autour d’un bleu sans pigment, l’exposition réunit des œuvres à la croisée de l’art et de la science. Ici, la lumière devient une expérience à part entière et la couleur, un phénomène physique. Développé avec l’Institut Lumière Matière de Lyon (CNRS), le bleu employé par l’artiste est de même nature que celui du ciel. Bien plus qu’une réflexion chromatique, l’exposition « 420 nanomètres » ouvre un dialogue entre l’infiniment grand et l’infiniment petit dans une déambulation à la fois poétique, conceptuelle et phénoménologique.

C’est également autour du bleu que s’articule l’exposition d’envergure présentée à la Fondation Blachère. En réunissant une trentaine d’artistes contemporains du continent africain et de ses diasporas, elle explore les multiples résonances de cette couleur profondément évocatrice. Les différentes nuances de bleu, comme l’indigo, le marine ou le bleu ciel, sont liées à des histoires, des territoires, des usages et des symboliques variés. Organisée autour de trois thématiques, Faire bleu, Être bleu et Habiter le bleu, le parcours propose une expérience sensible propice à la contemplation autant qu’à la réflexion. Entre ciel et mer, récits intimes, héritages artisanaux et formes contemporaines, le bleu apparaît comme une espace de dialogue et de transformation par lequel les artistes racontent leur rapport au monde, à l’histoire et aux territoires.

Dans cette exposition collective, la couleur agit comme une force complémentaire à la forme et permet ainsi un dialogue fécond entre les œuvres. Les formes géométriques minimalistes, les surfaces tendues, les sphères réfléchissantes ou les tissus colorés composent un ensemble où chaque œuvre semble répondre à une autre. Ici, le regard circule lentement entre les lignes, les volumes et les vibrations chromatiques dans une succession de pauses, de respirations et de confrontations discrètes. Entre abstraction et sensation, l’exposition invite moins à interpréter qu’à éprouver les œuvres de la dizaine d’artistes, émergents ou reconnus, réunis pour l’occasion.

Dans l’après-guerre de la seconde moitié du XXème siècle, la couleur peine à s’imposer dans l’expression abstraite. Dans un contexte esthétique souvent réticent aux tonalités vives, certains peintres choisissent pourtant d’en faire le coeur même de leur pratique. La couleur devient alors un langage, l’étendard d’une peinture qui affirme sa puissance expressive autant par l’abstraction que par l’intensité chromatique des teintes choisies. L’exposition « L’abstraction est une couleur » met justement en lumière les liens étroits qui existent entre couleurs et abstraction. Les oeuvres d’une vingtaine d’artistes européens, parmi lesquels Jean Dewasne, Nicolas de Staël, Fabienne Verdier ou Simon Hantaï, dialoguent avec celles d’artistes américains comme Shirley Jaffe, Sam Francis ou James Bishop, dans un héritage revendiqué de Matisse.

Ciel, mer, soleil, vacances… Les couleurs éclatantes et vibrantes associées à ces thèmes moins explorés du mouvement Pop Art traversent l’exposition « Sea, Pop & Sun ». Son titre, inspiré de la célèbre chanson de Serge Gainsbourg, célèbre un imaginaire solaire porté par le désir, l’évasion et la liberté. Sculptures, peintures, photographies et vidéos d’artistes emblématiques du mouvement composent ainsi un parcours baigné de tonalités saturées et lumineuses. Exit les objets de consommation du quotidien ou les éléments urbains : les couleurs vives sont ici au service de paysages estivaux et de scènes de loisirs. Des liens se tissent avec des œuvres d’artistes contemporains tels que Théo Mercier, Judy Chicago, Tracey Emin ou encore Tschabalala Self, prolongeant et interrogeant ainsi l’héritage du Pop Art.