Après le succès de l’exposition « Fashion Folklore », le Mucem consacre en 2026 une exposition à Mossi Traoré, créateur atypique de la scène française, pour qui la couture est à la fois terrain d’expérimentation, outil de transmission et langage collectif. Pensée en étroite collaboration avec l’artiste, l’exposition propose une immersion dans un univers où la mode dialogue avec les cultures populaires, les arts urbains et les savoir-faire traditionnels.

Silhouettes sculpturales, vidéos, textiles en interaction avec les archives du musée et gestes artisanaux jalonnent un parcours sensoriel et participatif. Le visiteur est invité à toucher les matières, écouter, créer, ressentir. Formé autant dans la rue qu’auprès des maîtres de la couture, Mossi Traoré développe une esthétique épurée et engagée.

Après la rétrospective que lui a consacrée le Solomon Guggenheim Museum de New York, Rashid Johnson investit l’Auditorium Oscar Niemeyer de Château La Coste avec une exposition réunissant peintures, sculptures et film. L’artiste y présente notamment de nouveaux bronzes conçus spécialement pour le domaine. Nourrie d’histoires personnelles et culturelles, sa pratique interroge les liens qui unissent les individus, les rituels collectifs et les formes de solidarité. En dialogue avec l’architecture d’Oscar Niemeyer et le paysage provençal, l’exposition explore les notions de communauté, de transmission et de rencontre.

Ghita Skali, artiste de Casablanca, basée à Amsterdam. Sa pratique multidisciplinaire comprend des installations, des vidéos et des interventions. Elle utilise des nouvelles étranges, des rumeurs et des faits historiques pour perturber les structures du pouvoir institutionnel. Son travail mêle humour et critique avec des résultats qui pénètrent des canaux qui vont au-delà de l’espace d’exposition, comme le commerce alternatif de marchandises, les documents (il)légaux, et les choses que l’on ramène à la maison.

Traversée de l’exposition le samedi 23 mai & fête artistique et citoyenne du 14 juillet.
Temps fort proposé dans le cadre du festival du Printemps de l’Art Contemporain PAC le samedi 23 mai.
Exposition soutenue par l’Ambassade des Pays-Bas en France et la Biennale d’Aix-en-Provence 2026.

Dialogue inédit d’œuvres d’artistes japonais de différentes générations, autour des liens affectifs, écologiques ou mémoriels qui nous unissent à nos milieux de vie — ces liens invisibles devenus à la fois précaires et précieux, à mesure que nos modes de vie contemporains ont entrainé avec eux nombre de troubles environnementaux.

Prenant comme point de départ la triple catastrophe du 11 mars ayant frappé le nord-est du Japon en 2011 — un événement aux conséquences multiples, d’ordre intime, social ou environnemental, l’exposition présente des œuvres apparues dans les années dites « post-Fukushima » au contact de pratiques imprégnées par l’histoire et la modernisation rapide du Japon dans les années 1970.

Avec le soutien de la Japan Foundation et de la Maison de la culture du Japon à Paris.

À l’occasion de la Saison Méditerranée, les centres d’art Triangle-Astérides à Marseille et B7L9 à La Marsa (Tunisie) s’associent pour coproduire la première exposition monographique institutionnelle de l’artiste et réalisatrice Mona Benyamin. Elle présente une installation inédite, ainsi que des vidéos antérieures – Tomorrow, again (2023), Moonscape (2020), Trouble in Paradise (2018).

En 2018, Kegham Djeghalian Jr découvre trois boîtes rouges enfouies au fond d’un placard chez son père, au Caire. Remplies de négatifs, de documents et de souvenirs familiaux, elles révèlent non seulement la vie et la figure de son grand-père, Kegham Djeghalian Sr, figure majeure de la photographie à Gaza au milieu du xxe siècle, mais elles témoignent aussi d’une mémoire plus vaste et non linéaire de l’histoire visuelle de Gaza.

En refusant dates et légendes, Djeghalian Jr interroge la nature même de l’archive et fait émerger le potentiel de ce qu’il nomme une unmade archive : une archive ouverte, inachevable, réfractaire à toute clôture.

Cette 8e édition de la Triennale De leur temps, réunit plus de 130 œuvres issues de 70 collections privées françaises et internationales, couvrant peintures, vidéos, sculptures, performances et installations. Depuis 2004, la Triennale met en lumière des collectionneurs engagés dans la création contemporaine et reflète les sensibilités actuelles.

Cette édition interroge le climat face aux bouleversements écologiques, politiques et sociaux, envisageant la collection comme un écosystème vivant et invitant à repenser mémoire, conservation et transformation. Exposition organisée par l’ADIAF et les Musées de Marseille.

Les meubles de Caldas utilisant des troncs d’arbres mis au rebut, conçus et fabriqués avec ses compagnons sculpteurs de pirogues, dans sa ville natale de Salvador de Bahia, la ville la plus africaine des Amériques, est de la même essence, faite de débrouillardise, d’inventivité et de poésie.

Les Musées de Marseille renouvellent leur soutien à la création artistique contemporaine en invitant Adrien Vescovi à s’emparer de la chapelle et des coursives du Centre de la Vieille Charité pour y créer une œuvre inédite qui s’appuie sur une pratique textile, explorant les résonances du geste artisanal.

Chez lui, couture, teinture et matériaux modestes deviennent les porteurs d’une mémoire plurielle, qui fait aussi écho aux ateliers qui jalonnent depuis toujours les rivages méditerranéens. Œuvre mouvante, délicate et poétique, pensée comme une déambulation, elle relie les espaces et les regards, tissant un lien sensible entre l’architecture méditerranéenne du lieu et la création contemporaine.

Une exposition labellisée « Saison Méditerranée », saison culturelle de l'Institut français.

À l'occasion du cinquantenaire de la Fondation, cette exposition explore le « tropisme architectural » de Vasarely, héritier du Bauhaus et du groupe Espace. Du projet de la Cité polychrome du bonheur aux intégrations monumentales de Caracas, le parcours interroge l’ontologie de l’œuvre d’art à l’ère de la société de l’information et sa diffusion sociale.

À travers films, photographies, pièces sonores et de nouvelles œuvres en verre réalisées au Cirva, Abdessamad El Montassir, artiste originaire du Sahara au sud du Maroc, nous propose une plongée dans le désert et ses récits silenciés, pour en partager les singularités, les savoirs, les relations aux non-humains et les poésies orales conçues comme des archives vivantes.

Exposition dans le cadre de la Saison Méditerranée.

Le quatorzième chapitre de la saga de la Cabane Georgina embrasse la tempérance. Ailes, pattes et nageoires explorent les possibles. Un jeu de loi où chaque pas de feu et d’eau nous fait avancer vers les étoiles et où la salamandre, venue pour guérir et protéger, est le guide.

Une exposition autour des recherches d’Emmanuelle Luciani, avec l’invitation de plusieurs photographes, documente les habitats des calanques, leurs occupants et leur pratique de la plongée et de la pêche. Le projet révèle également les profondeurs des calanques à travers un corpus de photos sous-marines.

Ce projet inédit est la synthèse de quinze ans de recherche sur la création d’un bleu structurel non pigmentaire. L’artiste y développe l’architecture d’une peinture faite de matières blanches, translucides et noires, qui reproduit le phénomène atmosphérique de Rayleigh. La lumière, ici captée, insuffle à la couleur bleue un caractère vibratoire.

Exposition dans le cadre du Printemps de l’art contemporain.

Gallifet invite François Halard pour une exposition inédite de plus d’une centaine de photographies dont certaines sont présentées au public pour la première fois.

Établi entre Paris, le sud de la France et la Grèce, il développe une œuvre inspirée par l’histoire et la mémoire de ces lieux qui — à travers le monde et la Méditerranée en particulier — nourrissent les passions communes de nos vies passées, présentes et à venir.

Les paysages de Grèce ou d’Italie succèdent aux ateliers des grands artistes de la modernité, aux jardins de Giverny où à l’intérieur d’une maison arlésienne, embarqués dans une quête éperdue de la beauté que l’artiste orchestre avec une poésie inouïe.

Arnaud Eubelen récupère des objets abandonnés dans les rues de Bruxelles et d'autres villes pour les transformer en tables, chaises, fauteuils, lampes, ainsi que des objets dont la fonction utilitaire demeure parfois ambiguë. Designer à la croisée de deux mondes, Eubelen a développé une esthétique entre « low-tech » et rétro-futurisme, nourri par son attachement aux matériaux bruts et par l’héritage industriel de Liège, sa ville d’origine.

L’exposition s'accompagne d’une sélection de bijoux, de musique, de livres d’artistes, et d'éditions limitées.
Artistes invités : Caroline Mesquita, Caroline Van Hoek, La Digue Records, Livres Rares Azade Libre, Delpire & Co et les Ateliers Laissez-Passer.