Depuis quatre millénaires, la maternité est au cœur de récits, de rites et d’images qui façonnent les sociétés.
L’exposition « Bonnes Mères » consacre ainsi la maternité méditerranéenne comme objet de construction sociale, enjeu politique et sujet artistique dans un parcours immersif et diachronique retraçant son histoire de l’Antiquité à nos jours, dans un va-et-vient permanent entre les époques et les œuvres. Des déesses-mères antiques à la Bonne Mère marseillaise, des mères patriotiques aux artistes contemporaines, elle interroge les représentations d’une maternité souvent porteuse d’injonctions et dévoile la pluralité des vécus maternels.

La scénographie est immersive et solaire ; elle accompagne le visiteur dans un cheminement sensible déroulant un plan en trois sections. « Bonnes Mères » s’ouvre sur les imaginaires liés aux figures traditionnelles de la mère, souvent idéalisés et fantasmés. Elle s’intéresse ensuite à ses réalités complexes et singulières, parfois invisibles, dévoilant des expériences intimes souvent passées sous silence – comme le deuil périnatal ou les interruptions de grossesse. L’exposition s’achève par un focus sur la transmission et les liens mère-enfant, décryptant codes et mimétismes.

Que révèle le bleu dans la création contemporaine d’Afrique et de ses diasporas ? Afroblue réunit 38 artistes qui livrent à la couleur bleue leur mémoire, leurs rêves et leurs récits. Exploré comme une matière vivante, entre ciel et mer, corps bleus, gestes anciens et formes contemporaines, le bleu compose un parcours poétique pour dire le monde d’aujourd’hui. ^

À l’étage, carte blanche à l’artiste Wim Botha.

Dans ce nouvel ensemble, Valdrin Thaqi poursuit une peinture figurative de la retenue, où l’image ne se donne jamais comme récit mais comme situation. Les figures apparaissent dans des espaces dépouillés, soustraits à toute inscription temporelle ou sociale, maintenues à la lisière de l’événement. La série se déploie autour de postures minimales qui concentrent un trouble sans l’exposer. Souvent saisis de trois-quarts, de profil ou le regard ailleurs, les modèles évitent la frontalité comme on évite une conclusion.

Traversée de l’exposition le samedi 23 mai & fête artistique et citoyenne du 14 juillet.
Temps fort proposé dans le cadre du festival du Printemps de l’Art Contemporain PAC le samedi 23 mai.

Ghita Skali, artiste de Casablanca, basée à Amsterdam. Sa pratique multidisciplinaire comprend des installations, des vidéos et des interventions. Elle utilise des nouvelles étranges, des rumeurs et des faits historiques pour perturber les structures du pouvoir institutionnel. Son travail mêle humour et critique avec des résultats qui pénètrent des canaux qui vont au-delà de l’espace d’exposition, comme le commerce alternatif de marchandises, les documents (il)légaux, et les choses que l’on ramène à la maison.

Exposition soutenue par l’Ambassade des Pays-Bas en France et la Biennale d’Aix-en-Provence 2026.

Dialogue inédit d’œuvres d’artistes japonais de différentes générations, autour des liens affectifs, écologiques ou mémoriels qui nous unissent à nos milieux de vie — ces liens invisibles devenus à la fois précaires et précieux, à mesure que nos modes de vie contemporains ont entrainé avec eux nombre de troubles environnementaux.

Prenant comme point de départ la triple catastrophe du 11 mars ayant frappé le nord-est du Japon en 2011 — un événement aux conséquences multiples, d’ordre intime, social ou environnemental, l’exposition présente des œuvres apparues dans les années dites « post-Fukushima » au contact de pratiques imprégnées par l’histoire et la modernisation rapide du Japon dans les années 1970. Par cette mise en regard déployée dans une scénographie non sans écho avec l’architecture du FRAC de Kengo Kuma, il s’agit ainsi de montrer comment les événements du 11 mars et les œuvres qui en ont émanées, relaient quelque chose de celles issues de la seconde moitié du XXe siècle au Japon.

Avec le soutien de la Japan Foundation et de la Maison de la culture du Japon à Paris.

Gallifet invite François Halard pour une exposition inédite de plus d’une centaine de photographies dont certaines sont présentées au public pour la première fois.

Établi entre Paris, le sud de la France et la Grèce, il développe une œuvre inspirée par l’histoire et la mémoire de ces lieux qui — à travers le monde et la Méditerranée en particulier — nourrissent les passions communes de nos vies passées, présentes et à venir.

Les paysages de Grèce ou d’Italie succèdent aux ateliers des grands artistes de la modernité, aux jardins de Giverny où à l’intérieur d’une maison arlésienne, embarqués dans une quête éperdue de la beauté que l’artiste orchestre avec une poésie inouïe.

Invitée à concevoir une double exposition personnelle entre Marseille et Avignon, sa première présentation institutionnelle en France, l’artiste Agata Ingarden a imaginé les deux accrochages comme « deux états atmosphériques distincts, au travers desquels nous percevons une même réalité. »

Si l’exposition à la Collection Lambert à Avignon est mise sous le signe du clair de lune et de l’obscurité, les œuvres rassemblées à Triangle-Astérides — toutes faites de verre et jouant avec l’idée de transparence, au sens propre comme figuré — invitent au contraire le regard à s’infiltrer partout, poussant la pulsion scopique à son paroxysme. Au grand jour, aux yeux de tous·tes.

L’artiste franco-polonaise considère ces sculptures comme des portails, donnant accès à l’énigmatique Dream House World ou monde de la maison des rêves. « Dream House n’est pas un récit avec un début ou une fin, mais une infrastructure fictionnelle. Il est seulement important de comprendre qu’il existe un système sous-jacent [à notre réalité]. Nous ne savons pas exactement ce qui s’y passe, mais on peut [l’]imaginer. »

Cette 8e édition de la Triennale De leur temps, réunit plus de 130 œuvres issues de 70 collections privées françaises et internationales, couvrant peintures, vidéos, sculptures, performances et installations. Depuis 2004, la Triennale met en lumière des collectionneurs engagés dans la création contemporaine et reflète les sensibilités actuelles.

Cette édition interroge le climat face aux bouleversements écologiques, politiques et sociaux, envisageant la collection comme un écosystème vivant et invitant à repenser mémoire, conservation et transformation. Exposition organisée par l’ADIAF et les Musées de Marseille.

Les meubles de Caldas utilisant des troncs d’arbres mis au rebut, conçus et fabriqués avec ses compagnons sculpteurs de pirogues, dans sa ville natale de Salvador de Bahia, la ville la plus africaine des Amériques, est de la même essence, faite de débrouillardise, d’inventivité et de poésie.

L’artiste britannique Douglas Eynon, basé à Brussels, présente sa première exposition personnelle à Marseille. Le titre renvoie à « l’heure des anges », un moment miroir associé à la synchronicité, qui traverse une exposition attentive aux apparitions fragiles.

Une peinture anamorphique d’une main et une orchidée en papier, oscillante y instaurent un dialogue entre corps et plante, image et matière. Les paysages du fond s’inspirent des éclairages de boîtes de nuit conçus par son père, parfois testés dans le salon ou le jardin familial. De ces souvenirs naissent des paysages hybrides, où le domestique rencontre une lumière presque cosmique.