Amandine Guruceaga explore le feu, destructeur et régénérateur, à travers tissus brûlés, métaux oxydés et sculptures-graines, composant un paysage vibrant, en dialogue avec le Jardin des Méditerranées.

La démarche d’Amandine Guruceaga conjugue puissance vitale et sensibilité écologique : matériaux recyclés, interventions chirurgicales sur la matière, gestes picturaux et techniques ancestrales cohabitent pour créer un univers où l’attention à la Terre et aux êtres vivants est au centre.

Le Var est à l’honneur dans cette exposition collective qui explore l’influence de ce territoire sur la création artistique, de la fin du XIXe siècle à aujourd’hui. Ses paysages, sa lumière et ses couleurs ont profondément marqué l’histoire de l’art moderne, nourrissant l’inspiration de figures majeures comme Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Henri Manguin, Louis Valtat, Charles Camoin ou encore Théo Van Rysselberghe.

À travers un face-à-face entre héritage et création contemporaine, l’exposition réunit également des œuvres de Bernard Buffet, Patrice Giorda, Bertrand de Miollis, Pascale Hemery, Serge Plagnol, Olivier Lavorel, Solange Triger, Marie Astoin, Jean-Pierre Maltèse et Caroline Vicquenault.

Une vaste rétrospective est consacrée à Bruno Barbey, mettant à l’honneur son travail durant la seconde moitié du XXIe siècle avec plus de 200 tirages.

Bruno Barbey occupe une place majeure dans l’histoire de la photographie humaniste et du photojournalisme international. Membre de l’agence Magnum Photos dès 1966, il a parcouru le monde pendant plus de cinquante ans, témoignant des bouleversements politiques, sociaux et culturels de son époque. Très tôt, il a fait de la couleur un langage à part entière, révélant avec subtilité les ambiances, les tensions et la poésie du réel.

Ode éclatante à la vitalité des années 1960 et 1970, l’exposition déploie un imaginaire solaire porté par le désir, la mer et la liberté, où les grandes figures du pop art – Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Evelyne Axell, Martial Raysse – dialoguent avec des artistes contemporains tels que Théo Mercier, Judy Chicago,Tracey Emin ou Tschabalala Self. Entre célébration et esprit critique, près de 80 œuvres explorent l’héritage d’un esprit pop toujours aussi vibrant.

Cette exposition souligne les rapports qui ont pu exister dans la seconde moitié du XXe siècle entre la couleur et l'abstraction. La couleur peine à s'imposer dans l'expression abstraite d'après-guerre dans un contexte esthétique qui accepte mal le recours aux tonalités vives.

Certains parviennent à imposer leur vision colorée malgré tout, grâce à une expression géométrique, comme Jean Dewasne, ou à travers la puissance lyrique, comme Georges Mathieu, Gérard Schneider, Serge Poliakoff, Hans Hartung et aujourd'hui Fabienne Verdier ; ou encore par la couleur elle-même en tant qu’élément central de l’œuvre, comme chez Simon Hantaï. De l'autre côté de l'Atlantique, des artistes revendiquent fortement l'héritage matissien et font de la couleur le composant essentiel de leur travail abstrait tout en réinventant la peinture. C'est le cas de Shirley Jaffe et de Sam Francis, ou encore de Kimber Smith et James Bishop. Emergent alors une sensation, un sentiment, voire un langage, que l'on peut qualifier de « couleur abstraction ».

L’exposition retrace le parcours d’un peintre libre qui traverse un XIXe siècle en pleine mutation. Des paysages fondateurs aux sources et rivières, du monde animal aux marines, des portraits aux caricatures mordantes, l'exposition dévoile toute l'ampleur de l'univers courbétien. Elle révèle un artiste qui donne dignité et monumentalité aux travailleurs, paysans et artisans. Engagé sous la Commune de Paris, l’affaire de la colonne Vendôme et l’exil en Suisse révèlent sa dimension politique. Par son regard frontal et moderne sur le réel, Courbet renverse les codes académiques et ouvre la voie à la modernité artistique.

En partenariat avec l'Institut Gustave Courbet, Ornans.