Le Var est à l’honneur dans cette exposition collective qui explore l’influence de ce territoire sur la création artistique, de la fin du XIXe siècle à aujourd’hui. Ses paysages, sa lumière et ses couleurs ont profondément marqué l’histoire de l’art moderne, nourrissant l’inspiration de figures majeures comme Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Henri Manguin, Louis Valtat, Charles Camoin ou encore Théo Van Rysselberghe.

À travers un face-à-face entre héritage et création contemporaine, l’exposition réunit également des œuvres de Bernard Buffet, Patrice Giorda, Bertrand de Miollis, Pascale Hemery, Serge Plagnol, Olivier Lavorel, Solange Triger, Marie Astoin, Jean-Pierre Maltèse et Caroline Vicquenault.

De l’arrière-pays varois au littoral méditerranéen, ce parcours met en lumière la permanence d’un élan créatif sans cesse réinventé, au croisement de l’identité du territoire, de l’histoire de l’art et des trajectoires singulières des artistes qui y ont trouvé une source d’inspiration durable.

L’exposition retrace le parcours d’un peintre libre qui traverse un XIXe siècle en pleine mutation. Des paysages fondateurs aux sources et rivières, du monde animal aux marines, des portraits aux caricatures mordantes, l'exposition dévoile toute l'ampleur de l'univers courbétien. Elle révèle un artiste qui donne dignité et monumentalité aux travailleurs, paysans et artisans. Engagé sous la Commune de Paris, l’affaire de la colonne Vendôme et l’exil en Suisse révèlent sa dimension politique. Par son regard frontal et moderne sur le réel, Courbet renverse les codes académiques et ouvre la voie à la modernité artistique.

En partenariat avec l'Institut Gustave Courbet, Ornans.

Les rapports entre la couleur et l'abstraction, qui ont pu exister dans la seconde moitié du XXe siècle, sont marqués par une lutte, un combat. La couleur peine à s'imposer dans l'expression abstraite d'après-guerre dans un contexte esthétique qui accepte mal le recours aux éclats de la couleur. Les codes chromatiques dominants sont souvent sombres, échappent rarement au noir, au blanc et au gris.

Certains parviennent à imposer leur vision colorée malgré tout comme Dewasne, grâce à une expression géométrique, ou à travers la puissance lyrique comme Mathieu, Schneider, Poliakoff, Hartung, et aujourd'hui Fabienne Verdier, ou encore par la couleur elle-même en tant qu’élément central de l’œuvre comme chez Hantaï. De l'autre côté de l'Atlantique, des artistes revendiquent fortement l'héritage matissien et font de la couleur le composant essentiel de leur travail abstrait tout en réinventant la peinture. C'est le cas de Shirley Jaffe et de Sam Francis, ou encore de Kimber Smith et James Bishop.

De ces combats émergent une sensation, un sentiment, voire un langage, éclatants ou sombres, que l'on peut qualifier de "couleur abstraction".

Offrande d’Azur est une installation aérienne et lumineuse où le temps, la gravité et la matière vivante dialoguent dans une danse silencieuse entre mimosa et laiton. À travers un travail lent et méditatif, l’artiste façonne la nature comme un sujet à part entière, révélant la beauté du fragile et du transitoire.

Inspirée du concept japonais mono no aware (物の哀れ), à savoir la sensibilité à l’éphémère et à la transformation des choses, l’exposition invite à contempler la vie dans son impermanence. Chaque sculpture se déplace doucement dans l’air, évoquant la relativité du temps.

Ambre Cardinal propose ici une expérience poétique et sensorielle, où la lumière glisse sur le métal comme sur la peau d’un paysage. Offrande d’Azur devient alors un hommage à la résistance du vivant, une célébration de la métamorphose, une invitation à ralentir pour un lien plus attentif au monde qui nous entoure.