L’artiste italien Hilario Isola, qui vit et travaille entre Turin et Bagnolo, présente un ensemble d’œuvres réunies pour la première fois en une galerie de présences singulières. Issues de séries existantes (I Mani, I Filosofi, The Scientists, Aruspice) et enrichies de nouvelles pièces conçues en résonance avec le contexte agricole et naturel de la Provence Verte, elles révèlent une ligne de force essentielle de sa pratique : le visage comme seuil, comme interface sensible entre ce que nous voyons et ce qui, en retour, nous regarde.

Déployées dans un clair-obscur attentif, les œuvres se tiennent à la lisière du visible. Elles ne cherchent ni l’effet ni la reconnaissance immédiate, mais sollicitent l’attention, installant une véritable réversibilité du regard, en écho à la pensée de Georges Didi-Huberman. Plus qu’une suite de portraits, le parcours propose une expérience du regard déplacé, où matière, mémoire et paysage dialoguent. Fidèle à une pratique fondée sur le temps long et la transformation des matériaux, Isola développe un art de la présence lente, où voir signifie aussi accepter d’être vu.

Comptant parmi les plus belles collections d’art contemporain à ciel ouvert, la Collection Philippe Austruy accueille plus de quatre-vingts sculptures présentées au sein d’un véritable écrin provençal, entre Jardin remarquable, paysage de vignes et forêt préservée. Au coeur du centre historique de ce lieu séculaire, le centre d’art abrite quant à lui les chefs-d’oeuvres de la collection.

Offrant une immersion dépaysante dans l’art des XXe et XXIe siècles, la Collection Philippe Austruy, en perpétuelle évolution, se compose non seulement des grands noms de l’art (Frank Stella, Berlinde De Bruyckere, Carsten Höller, Joana Vasconcelos, Bertrand Lavier, Olga de Amaral, Ugo Rondinone, Bernar Venet, Jesús-Rafael Soto…), mais elle s’engage aussi auprès de la scène artistique contemporaine en invitant des artistes à concevoir des oeuvres spécialement pour le domaine (Daniel Buren, José Yaque, Gloria Friedmann, Felice Varini, Loris Cecchini…).

En accès libre et gratuit toute l'année, le jardin de sculptures du Centre d’art contemporain de Châteauvert accueille pour un an trois Cerbères d’Elias Kurdy.

Ces œuvres revisitent la figure mythologique du gardien des Enfers en la métamorphosant. À la place des trois têtes hurlantes du gardien des Enfers, émergent trois bouquets pleinement épanouis. Le monstre, réduit à une blancheur immobile, semble avoir perdu sa fonction première : plus de crocs, plus de regard incandescent, seulement des floraisons qui désarment sa fureur. Autrefois chargé de retenir les âmes errantes au seuil du royaume des morts, le Cerbère devient ici une créature paradoxale : ses têtes florales ne menacent plus, elles veillent.

Né à Damas en 1990, installé à Marseille, Elias Kurdy a étudié l’architecture avant de se former aux Beaux-Arts. Sa pratique, nourrie d’histoire et de fiction, joue des illusions et des déséquilibres. Entre sculpture, dessin et matières artisanales, il revisite les héritages classiques pour questionner ce que l’on transmet — ou ce qui risque de disparaître.

L'exposition explore les origines païennes du carnaval, de Rome à la Grèce antique, puis les grands rendez-vous européens comme Venise ou Binche, avant de s’achever en Amérique latine avec le mythique carnaval de Rio.

Au total, 140 œuvres – pièces historiques, installations contemporaines, créations artistiques et dispositifs multimédias – composent cette traversée. Une scénographie signée Carole Dekens, enrichie d’ambiances sonores et d’extraits de films, plonge le visiteur dans l’énergie de ces fêtes, avec une ambition claire : donner l’impression de vivre un vrai carnaval.

Comme l'écrivait Johann Wolfgang von Goethe : « Le carnaval n'est pas à proprement parler une fête qui est donnée au peuple, mais que le peuple se donne à lui-même. »

Le Centre d’art contemporain de Châteauvert renouvelle son engagement : faire circuler l’art là où il se fabrique au présent, au plus près des enfants et des lieux de vie. Cet été, l’artiste Agnès de la Roncière a mené une résidence au Centre de Loisirs de Correns, avec des groupes d’enfants de moins de 10 ans, réunis autour d’un thème collectif partagé.

La mezzanine en accueille aujourd’hui la restitution, comme la « Genèse d’un jardin imaginaire », où se croisent fresques et assemblages : un jardin qui pousse par couches, des portraits composés, des objets peints “à inventer”. Ici, l’atelier devient paysage commun : une mémoire de gestes, de couleurs, d’observations… et de libertés joyeuses.

Agnès de la Roncière travaille comme on fabrique un terrain de jeu sérieux : avec des règles simples, des outils accessibles, et une place laissée à l’imprévu. À Correns, elle a fait dialoguer observation du vivant (végétaux, jardin), histoire de la peinture (du XVIᵉ siècle à Claire Tabouret) et fabrique collective : fresques au sol et murales, portraits découpés-assemblés, natures mortes d’objets… Un musée, oui, mais qui sent la craie et le pastel gras.