Au début de l’année 1953, à Vallauris, André Villers croise le destin : Pablo Picasso. De cette rencontre naît une amitié et une complicité créatrice de dix ans. De Diurnes (1962) à Pliages d’Ombres (1977), André Villers s’affirme comme un expérimentateur, découpant, superposant, métamorphosant l’image. André Villers, fidèle à l’esprit de Michel Butor, déplace les frontières du récit visuel. L’image n’est plus un miroir documentaire, mais fracture ; elle interroge la distance entre l’auteur, le sujet et le regardeur.

Aujourd’hui encore, nous voilà incités à refonder la photographie, à la penser comme un organisme vivant, un corps pigmentaire composé de signes et de matière. Avec Elsa Leydier et Clara Chichin, l’acte photographique retrouve la lenteur et la justesse du geste artisanal. Le photographe redevient un cueilleur nomade, un semeur d’images, patient compagnon du vivant.

Pour ce nouveau cycle de relecture de la collection Albers-Honegger, l’eac. invite sept artistes internationaux issus de résidences à la Fondation Josef & Anni Albers à dialoguer avec les œuvres.

Les artistes Annie-Marie Akussah, Marie Hazard, Sumiko Oé-Gottini, Damien Poulain, Enrique Veganzones, Vico Persson, Charlotte von Poehl sont ainsi invités à se plonger dans la collection en choisissant une petite dizaine d’œuvres avec lesquelles ils se sentent en « résonance ». En partenariat avec la Fondation Josef & Anni Albers.

Hommage à Gérard Gasiorowski (1930–1986), peintre et photographe français, à l’occasion du 40e anniversaire de sa disparition.

L’exposition réunit dix œuvres issues de la collection permanente, dont Hommage à Manet (1983), peinture monumentale de dix mètres de long, Les Avertisseurs, Ida, Cossom’s, Croûte – Arc de Triomphe, ainsi que des formats plus intimistes comme La Ruelle, Le Village ou Les Étendues, qui reprend le motif de L’Homme qui marche de Giacometti. Plusieurs œuvres ont été offertes par Adrien Maeght, son complice à la Galerie Maeght, où Gasiorowski expose pour la première fois en 1982. Cette Cette présentation rappelle la singularité d’une œuvre marquée par l’expérimentation, l’ironie et des séries emblématiques comme Les Fleurs, Les Chapeaux, Les Amalgames ou Les Croûtes.

Pour raconter la genèse de l'œuvre La Guerre et la Paix, fresque politique à la portée universelle exécutée en 1952, les musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes inaugurent une nouvelle médiation, conçue sous forme de projection en grand format.

Destinée à tous les publics, ce format immersif a vocation à enrichir la visite et faire découvrir les multiples significations de ce manifeste pacifiste. Cette médiation est accessible en français et en anglais ainsi qu’aux personnes à mobilité réduite. Cette exposition est réalisée avec la participation exceptionnelle du Centre Pompidou.

Guidée par l’esprit libre et expérimental de Couëlle, l’orientation curatoriale du programme s’attache à accompagner des artistes de tous horizons et réunit des figures majeures de la scène internationale telles que Mickalene Thomas, Kennedy Yanko, Sable Elyse Smith, Neville Wakefield; parmi beaucoup d’autres.

Les abords paysagers accueillent quant à eux un parc de sculptures réunissant des œuvres d’Antony Gormley, Tony Cragg, Claudia Comte, Baselitz, Alicja Kwade, sous le commissariat de Maxime Combot, inscrivant Dragon Hill dans la tradition des grands paysages sculpturaux européens.

Tout au long de l’année, Dragon Hill organise des expositions de restitution des résidences, ouvertes au public au sein de lieux partenaires.

La création picturale et sa libre perception entrent en convergence. Anna-Eva Bergman et Hans Hartung ne sont pas seulement des artistes majeurs du xxe siècle : leur production, d’une beauté minérale chez la première, d’un lyrisme calculé chez le second, est indissociable des discours qui l’ont accompagnée, soutenue, parfois infléchie. Autour d’eux gravite un réseau d’auteurs et d’amitiés. Leurs regards et leurs voix construisent une exégèse, orientent l’interprétation, ouvrent des champs de signification, inscrivent les formes dans une histoire des idées.

Cette exposition invite à redécouvrir des actrices et des acteurs du monde de l’art souvent invisibilisés, en particulier des femmes critiques dont l’apport fut essentiel. Entre archives, textes et toiles, il s’agit d’une expérience sensible où voir et lire relèvent d’une attention hybride et jubilatoire.

Depuis les origines de la peinture, la couleur est l’apanage des peintres. À la fois matière et lumière, elle est le point de départ de toute la démarche esthétique de Fernand Léger (1981-1955). Tout au long de son œuvre, le peintre manifeste une véritable passion pour la couleur pure, qu’il décline dans un jeu infini de combinaisons et de variations, sur des supports multiples : dessins, céramiques, vitraux, décors pour le monde du spectacle ou l’architecture.

En attendant le programme d’expositions temporaires, les visiteurs peuvent découvrir une sélection d’œuvres de la collection permanente, couvrant les principaux courants artistiques, de l’impressionnisme à l’art contemporain. Près de 100 œuvres issues de la Collection Christian Levett sont ainsi exposées, réalisées par près de 90 artistes du monde entier. Parmi elles, Berthe Morisot, Joan Mitchell, Lee Krasner, Alice Neel, Marina Abramović, Frida Kahlo, Tracey Emin, Sarah Lucas.

Rassemblées pour la première fois pour cette exposition, les œuvres de Nassos Daphnis et Rita McBride, deux artistes américains à priori éloignés dans le temps et la pratique, oscillent ensemble dans un espace commun, à la frontière entre fonctionnalité et poésie, entre autorité et liberté.

L’accrochage construit un dialogue entre peintures aux grands aplats étirés et colorés de Nassos Daphnis, couvrant plusieurs périodes, des années 50 aux années 90, et sculptures, installations ou maquettes architecturales, réalisées par Rita McBride au cours des 30 dernières années.