La Fondation Marguerite et Aimé Maeght rend hommage à Gérard Gasiorowski (1930–1986), peintre et photographe français, à l’occasion du 40e anniversaire de sa disparition.

L’exposition réunit dix œuvres issues de la collection permanente, dont Hommage à Manet (1983), peinture monumentale de dix mètres de long, Les Avertisseurs, Ida, Cossom’s, Croûte – Arc de Triomphe, ainsi que des formats plus intimistes comme La Ruelle, Le Village ou Les Étendues, qui reprend le motif de L’Homme qui marche de Giacometti. Plusieurs œuvres ont été offertes par Adrien Maeght, son complice à la Galerie Maeght, où Gasiorowski expose pour la première fois en 1982.

Cette présentation fait écho aux grandes étapes de reconnaissance de son travail, de la rétrospective à l’ARC – Musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1983, à l’exposition du Centre Pompidou en 1995 (commissariat Jean de Loisy), puis à celle de la Fondation Maeght en 2012, « Vous êtes fou Gasiorowski, il faut vous ressaisir… ». Elle rappelle la singularité d’une œuvre marquée par l’expérimentation, l’ironie et des séries emblématiques comme Les Fleurs, Les Chapeaux, Les Amalgames ou Les Croûtes.

Figure singulière de la création en Méditerranée, Baya a marqué la seconde moitié du XXe siècle par un univers à la fois poétique et flamboyant. Son œuvre déploie une profusion de formes végétales, de couleurs intenses et de personnages féminins magnifiés, dans une célébration joyeuse de la vie et de l’imaginaire.

L’exposition invite à découvrir cette féerie singulière, peuplée d’oiseaux, de musiques et de figures aux parures somptueuses. Elle offre l’occasion d’explorer un parcours artistique unique, nourri de rencontres déterminantes mais avant tout porté par une liberté créatrice qui continue de résonner aujourd’hui.

Rassemblées pour la première fois pour cette exposition, les œuvres de Nassos Daphnis et Rita McBride, deux artistes américains à priori éloignés dans le temps et la pratique, oscillent ensemble dans un espace commun, à la frontière entre fonctionnalité et poésie, entre autorité et liberté.

L’accrochage construit un dialogue entre peintures aux grands aplats étirés et colorés de Nassos Daphnis, couvrant plusieurs périodes, des années 50 aux années 90, et sculptures, installations ou maquettes architecturales, réalisées par Rita McBride au cours des 30 dernières années.

L’exposition retrace l'ambition de Jean Prouvé (1901-1984) d’industrialiser l’acte de construire, à travers archives, éléments préfabriqués et mobilier emblématique, illustrant une architecture où la forme découle de la structure.

Chaque œuvre manifeste l’exactitude constructive et le lyrisme structurel de Prouvé. Installée au sein de l’enclave moderniste des années 1950 de la Fondation CAB, l’exposition révèle le lien consubstantiel entre architecture et mobilier — où la technique devient forme, et la forme atteint la permanence.

Cette exposition est possible grâce au soutiens de Laffanour | Galerie Downtown

L'eac. - centre d'art contemporain d'intérêt national, en partenariat avec l’Observatoire de l’Espace, le laboratoire culturel du CNES, présente le travail de onze artistes contemporains qui ont abordé l’art extra-terrestre. Cette exposition-manifeste se veut fondatrice de la conceptualisation de l’art extra-terrestre du XXIᵉ siècle.

Prenant comme point de départ les expériences du Space art menées dans les années 1980, cette exposition a pour ambition de poser le cadre dans lequel les œuvres contemporaines peuvent se réclamer de l’art extra-terrestre. Dans l’efflorescence de l’actualité spatiale et le renouvellement de l’intérêt du public pour l’univers spatial, la création contemporaine dispose ainsi d’une opportunité exceptionnelle d’ouvrir un nouveau chapitre de l’histoire de l’art.

Cette exposition majeure en Europe marque les débuts institutionnels d’Elizabeth Colomba en France, son pays natal.

Réunissant 31 œuvres — dont 15 peintures à l’huile de grand format, 14 dessins préparatoires et 2 aquarelles, dont beaucoup jamais exposés auparavant —,l’événement offre une vision riche et immersive de la pratique de Colomba, où les thèmes de la beauté, du pouvoir, de l’identité et de la mémoire historique sont explorés à travers un prisme résolument européen.

De la splendeur baroque de Vermeer et Caravage, aux fantasmes orientalistes d’Ingres et de Constant, en passant par les portraits mondains de Sargent et la grâce rococo de Vigée Le Brun, Colomba dialogue avec les canons même qui autrefois projetait richesse, prestige et pouvoir. Ses toiles, foisonnantes de soies, de perles, de pierres précieuses et d’intérieurs ornés, abondent également de références historiques et de symbolisme, recalibrés pour inverser les codes hérités.

Figure majeure de l’art américain, Ellsworth Kelly (1923–2015) a bâti une œuvre abstraite profondément liée à l’observation du monde. Fasciné par l’eau, des rivages de Belle-Île à New York, il en traduit la lumière, les couleurs et les reflets en peintures, sculptures et collages d’une grande pureté formelle.

L’exposition, conçue par Éric de Chassey avec le Studio Ellsworth Kelly et d'autres prêteurs majeurs, réunit plus de cent œuvres et révèle ce thème essentiel encore jamais exploré. La Fondation Maeght célèbre aussi l’amitié fidèle entre l’artiste et la famille Maeght, dans le cadre d’une saison américaine ponctuée de concerts et de rencontres.

Depuis les origines de la peinture, la couleur est l’apanage des peintres. À la fois matière et lumière, elle est le point de départ de toute la démarche esthétique de Fernand Léger (1981-1955). Tout au long de son œuvre, le peintre manifeste une véritable passion pour la couleur pure, qu’il décline dans un jeu infini de combinaisons et de variations, sur des supports multiples : dessins, céramiques, vitraux, décors pour le monde du spectacle ou l’architecture.

L'Espace de l'Art Concret est heureux de présenter pour la première fois en France l'œuvre du physicien, enseignant et artiste suisse Jürg Nänni (1942—2019). Tout a commencé en 1991 avec le désormais célèbre livre noir, publié par Jürg Nänni en collaboration avec Hans Knuchel aux éditions Lars Müller. Cet ouvrage a suscité un vif enthousiasme parmi les amateurs de couleurs, grâce à sa sobriété formelle et à sa rigueur conceptuelle. S’appuyant sur des règles mathématiques strictes et une précision géométrique, Nänni a élaboré un corpus d’œuvres relevant de l’art concret, longtemps resté confidentiel et redécouvert seulement récemment lors de sa succession.

Le projet Jürg Nänni • Art & Science offre un regard rétrospectif sur cet œuvre atypique, avec une exposition à l’eac., doublée d’expositions parallèles à Brugg et Bienne, en Suisse

À l’occasion du centenaire de la naissance de François Morellet, et à l’initiative du Centre Pompidou, un ensemble d’événements rendra hommage à cet artiste majeur au sein d’institutions françaises liées à son œuvre.

Ainsi, ses neuf œuvres faisant partie de la collection Albers-Honegger seront présentées, ainsi que deux installations in situ réalisées en ruban adhésif suivant un protocole prédéfini par l’artiste de son vivant.

Pour ce nouveau cycle de relecture de la collection Albers-Honegger, l’eac. invite sept artistes internationaux issus de résidences à la Fondation Josef & Anni Albers à dialoguer avec les œuvres.

Les artistes Annie-Marie Akussah, Marie Hazard, Sumiko Oé-Gottini, Damien Poulain, Enrique Veganzones, Vico Persson, Charlotte von Poehl sont ainsi invités à se plonger dans la collection en choisissant une petite dizaine d’œuvres avec lesquelles ils se sentent en « résonance ». En partenariat avec la Fondation Josef & Anni Albers.

Créé en 2022 par le collectionneur Gilles Fuchs, le Centre d’art des collines de Grasse invite Cédric Teisseire pour une exposition monographique présentée au Musée Jean-Honoré Fragonard. Artiste grassois, enseignant à l’école d’art de Toulon et cofondateur de La Station à Nice en 1996, Teisseire développe une pratique centrée sur la peinture et sa matérialité, privilégiant les processus de fabrication à l’image finale.

Pensée comme une « randonnée », l’exposition fait écho à son lien étroit avec les paysages des Alpes-Maritimes. Les séries récentes explorent la tension entre abstraction et représentation à travers des procédés expérimentaux : coulures d’encre sur bâche, brûlures de toile, étirements de pixels, chutes de laque sur tamis superposés ou retournements de cadre. Entouré de Suska Bastian, Arnaud Biais, David Raffini et Christian Vialard, l’artiste prolonge cette déambulation sensible où le paysage devient expérience picturale et transformation du réel.

Au début de l’année 1953, à Vallauris, André Villers croise le destin : Pablo Picasso. De cette rencontre naît une amitié et une complicité créatrice de dix ans. Pablo Picasso lui offre son premier Rolleiflex, cette « machine à coudre » qui devient son instrument d’alchimie. De Diurnes (1962) à Pliages d’Ombres (1977), André Villers s’affirme comme un expérimentateur, découpant, superposant, métamorphosant l’image. André Villers, fidèle à l’esprit de Michel Butor, déplace les frontières du récit visuel. L’image n’est plus un miroir documentaire, mais fracture ; elle interroge la distance entre l’auteur, le sujet et le regardeur.

Aujourd’hui encore, nous voilà incités à refonder la photographie, à la penser comme un organisme vivant, un corps pigmentaire composé de signes et de matière. Avec Elsa Leydier et Clara Chichin, l’acte photographique retrouve la lenteur et la justesse du geste artisanal. Le photographe redevient un cueilleur nomade, un semeur d’images, patient compagnon du vivant. Il faut s’y attarder : la photographie peut, et doit, demeurer un organisme vivant, un corps pigmentaire, composé de signes, d’émulsions et de microéléments vibrants.