Une exposition inédite d’Angélique Aubrit et Ludovic Beillard, conçue comme un nouveau chapitre de leur vaste projet Une solitude vraiment terrible. Depuis que le système économique s’est arrêté le 22 juin 2025 et que l’argent et la propriété n’ont plus aucune valeur, les humains ont progressivement déserté les grandes villes, laissant place à d’autres espèces. L’Élan est un centre d’éveil dans lequel six fouines tentent d’établir de nouvelles formes d’échange et d’inventer un nouveau langage.

Depuis 2021, Angélique Aubrit et Ludovic Beillard développent une pratique collaborative qui mêle sculpture, installation, vidéo, performance et dessin. Leurs œuvres mettent en scène des personnages à la fois familiers et étranges, incarnés par des costumes-sculptures qui brouillent les frontières entre le vivant et l’inanimé, entre le théâtre et les arts visuels.

Le jeu vidéo est depuis ses origines un espace de résistance. Hacké, détourné, subverti par des générations de créateurs, il porte des enjeux politiques, écologiques et identitaires que l’exposition met au centre. (Dé)jouer les mondes interroge ainsi les règles, les corps, les interfaces et les espaces virtuels pour révéler ce qu’ils disent de certaines de nos représentations contemporaines : rapports de domination, extractivisme numérique, récits coloniaux, mais aussi imaginaires alternatifs et alliances interspécifiques.

L’exposition réunit des artistes de différentes nationalités dont les pratiques hybrident jeu vidéo, arts visuels, performance et récit oral. Au total, une quinzaine d’œuvres, principalement créées depuis 2020, et une installation monumentale, spécialement conçue pour l’occasion, traversent les continents pour dessiner une cartographie inédite des imaginaires numériques résistants.

Sculpteur majeur de l’abstraction en France, Bernard Pagès présente un ensemble de pièces où pierre, métal et matériaux bruts s’assemblent dans des équilibres simples et tendus. Entre geste, poids et gravité, ses formes dialoguent avec l’espace et révèlent une poésie discrète de la matière.

Mer de passages et de transmissions, la Méditerranée porte une mémoire de voyages, de cultures mêlées, mais aussi d’exils et de ruptures. Depuis des siècles, des femmes et des hommes y cherchent refuge et avenir, au prix de traversées souvent marquées par la perte.

En 2026, la Fondation Villa Datris réunit 74 artistes issus de 20 pays pour explorer la Méditerranée comme un territoire sensible et partagé. Leurs œuvres croisent récits migratoires, racines communes et traditions, tout en abordant des enjeux actuels : changement climatique, frontières, politiques migratoires et violences. Entre engagement et poésie, l’exposition célèbre l’hospitalité, la solidarité et la reconnaissance de l’autre. Un parcours puissant, porté par l’espoir d’une Méditerranée ouverte et profondément humaine.

« Cela me tente tant – non pas la boisson mais la peinture de voyou », écrit Vincent van Gogh à Arles en 1888.

Dans cet esprit, l’exposition s’inspire de la figure du trickster, ces fripons rusés, espiègles ou savants moqueurs qui, dans les mythes de toutes les civilisations, bousculent les règles, délivrent la communauté de conventions étouffantes et relativisent les certitudes. De la bohème du XIXe siècle au mouvement Dada s’affirme dans l’art moderne une tradition contestataire.

Certains artistes empruntent les chemins de traverse : ceux des marginaux, des fripons ou des hors-la-loi. Par l’ironie, la provocation ou l’absurde, ils réaniment le jeu du chaos et permettent à l’art de remplir l’une de ses fonctions majeures : mettre en turbulence les convictions et faire exploser les conventions. Leur attitude et leur audace sont au cœur de l’exposition, qui réunit les œuvres d’une trentaine d’artistes, de Pablo Picasso à Cindy Sherman, Martin Kippenberger, Maurizio Cattelan ou Nina Childress – autant de figures indociles et irrévérencieuses. Des suspects.

Collaboration évolutive entre Stephan Crasneanscki de Soundwalk Collective et Patti Smith, née d'un dialogue créatif qui s'étend sur plus d'une décennie. Présenté sous la forme d'une installation immersive, le projet croise enregistrements de terrain, images en mouvement et poésie afin d’évoquer des paysages façonnés par la création artistique, les luttes politiques et la fragilité écologique.

Qu’est-ce qui fait groupe ? Quelles formes de vie collective s’inventent en dehors des modèles établis ? Pendant plusieurs mois, les artistes Émilie Rousset, Louise Hémon et Sarah Maeght ont travaillé avec les habitant·e·s des pensions de famille. Les rencontres, les ateliers d'écriture, les conversations enregistrées et les temps passés dans ces pensions ont nourri une recherche commune. Écho et Zéphyr sont nés de cette expérience, avec la conviction que les marges ne sont pas seulement des lieux de fragilité, mais aussi des espaces d'invention.

Ces deux œuvres inédites - Écho, dispositif textuel issu de vingt heures de conversations enregistrées en pensions de famille, et Zéphyr installation vidéo mettant en scène un collectif face au vent - constituent le point de départ du projet d’exposition et viennent s’articuler avec des œuvres du fonds de la Collection Lambert.

Ce nouvel accrochage d’œuvres dédiées au textile entre en résonnance avec la pratique de Leo Orta, designer invité en résidence et les objets d’ALEOR, studio de création dédié au design biosourcé.

Alors que les œuvres de la Collection donnent forme à des imaginaires portés par des artistes, ALEOR confronte ces récits au réel. Le studio déploie des méthodes d’investigation ancrées dans le territoire — glaner, collecter, observer, expérimenter — pour faire émerger des récits situés. En immersion sur le territoire camarguais, le travail de Leo Orta agit ici comme un véritable catalyseur. Il interroge l’avenir de certaines filières locales, notamment la vannerie, à partir desquelles le designer imagine une collection d’artefacts à la fois ancrés dans la tradition et ouverts à des perspectives spéculatives. À travers ces démarches, art et design deviennent des outils d’archivage critique, de transmission et de réactivation des savoirs.

Majd Abdel Hamid, Caroline Achaintre, Amina Agueznay, Cathryn Boch, Ange Dakouo, Edith Dekyndt, Pauline Guerrier, Sheila Hicks, Ilanit Illouz, Eva Jospin, Asemahle Ntlonti, Junko Oki, Lucy + Jorge Orta, Elisa Peroi, Simone Pheulpin, Kustaa Saksi, Sidival Fila, Kiki Smith, Georges Tony Stoll, Françoise Vanneraud et Rosana Escobar, Diana Scherer, Max Funkat (ALEOR). Designer invité : LEO ORTA

Pensée par Jean-Marc Bustamante pour l’ouverture du Fonds Bustamante à Arles, En Miroirs inaugure le programme d’expositions à travers une présentation conçue comme un espace de correspondances laissant apparaître les affinités et dialogues liant ces artistes, œuvres et pensées. Réunissant peinture, sculpture, photographie, dessin et installation, l’exposition rassemble des artistes choisis par Jean-Marc Bustamante parmi ceux qui ont nourri son parcours artistique, intellectuel ou sensible.

De Cristina Iglesias à Rémy Zaugg, de Jan Vercruysse à Thomas Schütte, de Reinhard Mucha à Rodney Graham, les œuvres explorent des thèmes tels que la mémoire, le langage, l’espace, l’architecture et le regard. Comme un générique de film, l’exposition fait apparaître une communauté de présences qui dessine une cartographie sensible de relations artistiques au delà des questions générationnelles et culturelles.

Constituée à partir de 1986, la collection du musée réunit près de 700 œuvres de 1960 à nos jours. Le nouveau parcours dans l’étage dédié à la collection, en résonnance avec la récente donation Clément, met l’accent sur les groupes ABC Productions avec les artistes Jean Azémard et Tjeerd Alkema et Supports/Surfaces. L’itinéraire se poursuit autour de la fabrication de la peinture et ses multiples expérimentations depuis Christopher Wool à Albert Oehlen en passant par Jessica Stockholder ou Eugénie Paultre. Enfin, le parcours s’achève avec de nouvelles générations d’artistes qui interrogent le sujet de la frontière et de la migration autour du bassin méditerranéen.